Estuve desaparecido la mitad del año pero decidí volver con toda. Unos pocos días antes de recibir el 2019 y empezar de lleno la temporada de premios (La más aburrida en años, en mi opinión), te cuento cuáles son las 25 películas del 2018 que no te podes perder.
La temporada de premios más aburrida en años no refleja la increíble calidad de las películas del 2018. Es una lástima, realmente, que los principales círculos de premios opten por reconocer filmes por sus taquillas y sus revuelos mediáticos más que por su composición o virtuosismo. De hecho, mientras mucha gente ve al 2018 como un año malo paro el cine, yo lo veo, nuevamente, como un excelente año, donde el mejor cine, sin embargo, había que buscarlo o por vías alternativas o en los festivales. Estamos hablando de un año donde las mejores películas se estrenaron o en Netflix (Roma, Private Life) o vieron la luz en unos muy pocos festivales del mundo (Climax, In Fabric), y cuyo futuro en salas vemos incierto. Estamos hablando también del año donde yo sentí que más autores revindicaron el asombro y la experimentación visual, donde más se explotó el concepto de "idea simple, ejecución acorde" (A Quiet Place, You Were Never Really Here). Como nunca falta en el posmodernismo del 2010, hay películas fuertemente ancladas a su tiempo (BlacKkKlansman, First Reformed) y, en un giro inesperado, unas que literalmente "viajaron" en el tiempo (El extraordinario caso que es The Other Side of the Wind). Quizás sea mi afinidad por películas extrañas o premisas peculiares lo que hace esta lista tan distinta a la que circula en los premios de este año, que siguen más una agenda política que una deliberada intención de premiar el "arte" en el cine, por así decirlo. Déjenme decir de antemano que no hay nada de malo en esto: El arte es político, y las temporadas de premios optaron por exhibir este año aquellos filmes con un impacto cultural positivo en la diversidad en el cine (Esperemos que sea a partir de buena voluntad, y no como una movida de marketing), y no veo nada de malo en ello, aunque termine siendo una selección de filmes poco arriesgados, entre los cuales se destacan muy pronunciadamente aquellas películas cuyo reconocimiento es confuso. Pero aquí estoy yo para darte 25 filmes que vi en el 2018, que irónicamente también cuentan con una amplia diversidad social delante y detrás de la cámara (Quizás más que las películas que circulan en las temporadas de premios), y que sin embargo no se reducen a eso. Están ordenadas de forma ascendente en preferencia, pero cabe aclarar que las 25 son excepcionales, y que incluso algunas que no llegaron a formar parte de la lista lo son, así que mi recomendación, ya que estamos, es que vean todas.
25_ Rojo (Dir: Benjamín Naishtat)
Aquellos que critican al cine argentino actual de tomar pocos riesgos y adoptarse en condición sin ecuanon a un formato “for export”, claramente no indagaron en la maravilla subversiva que es Rojo. Naishtat y el DF Pedro Sotero (Aquarius, Gabriel y la Montaña) asaltan al espectador desde la primera secuencia con una impronta visual virtuosa y muy kitsch, jugando constantemente con colores y ángulos de cama rarefactos, estableciendo una deliciosa distancia casi telenovelesca al filme. Es una película arriesgada e incómoda, con una estructura narrativa fragmentada y un sentido de humor muy seco, pero el vibrante juego entre el guión y los visuales es fascinante y atrapante, una impecable tensión continua entre el absurdismo nostálgico y la ironía dramática inquietante. Fantástica actuación de Darío Grandinetti, que bien merecido tuvo el premio a Mejor Actor en el Festival de Cine de San Sebastián.
Está disponible para alquilar por el servicio de streaming gratuito Cine.ar.
24_ How To Talk To Girls At Parties (Dir: John Cameron Mitchell)
La historia de How To Talk To Girls at Parties como proyecto es decididamente trágica: La chance del director de culto John Cameron Mitchell de traer su genuina sensibilidad y fanatismo por lo tabú al cine de mayores ligas, su primera película después de un hiato de 8 años, una película para adolescentes con un espíritu jovialmente bizarro, adaptación de un cuento de Neil Gaiman. Todo indicaba un clásico de culto por descubrir, pero lamentablemente, la película abrió en Cannes a un público tan hostil que mató a la película en su primera función, e hizo el lanzamiento y distribución de la misma imposibles (Un año después de Cannes, la película todavía tenía problemas encontrando público). Personalmente, espero que How To Talk To… encuentre su audiencia, porque es una de las películas más extraordinarias y originales que salieron en los últimos años. Extraña, divertida, algo perturbadora, pero con una sutil corriente emocional que desemboca en un tercer acto tierno y lacrimógeno. De más está decir que la premisa de “aliens punk” es muy específica para cierto tipo de espectador, y solo aquellos que están dispuestos a aceptar lo absurdo y lo pomposo podrán disfrutar How To Talk To… como se debe.
23_ Unsane (Dir: Steven Sodebergh)
Sodebergh regresó a la pantalla grande el año pasado con Logan Lucky, una agradable aunque poco arriesgada y algo simple película de estafas, de aquellas que sabemos que el cineasta americana es capaz de hacer con los ojos vendados. Como respuesta casi automática a su regreso al cine, Sodebergh optó por un proyecto que asume casi todo riesgo posible a su alrededor: Filmada en iPhone, ubicada firmemente en el thriller psicológico y homenajeando a los “filmes estudiantiles”, y con un comentario político que bordea la conspiración, Unsane es un filme que no debería funcionar, y funciona (Sí bien muchas audiencias tuvieron problemas diferenciando la obra de las intenciones del autor). Claire Foy entrega una de las mejores actuaciones del año en el papel protagónico, y la peculiar presentación visual con el formato del iPhone está brillantemente implementado en el tono de la historia. Un filme que no deja de sorprender con sus giros y vueltas, hasta un tercer acto tenso y agonizante, y un epílogo tipo “spoof” que completamente subvierte expectativas y cierra la película con un aire juguetón y auto-referencial.
Una película de género, que recuerda a piezas como Búsqueda Implacable y El Transportador, pero descompuesta, pulida y reversionada por una cineasta tan delicada e inventiva como Lynne Ramsay, que propone en You Were Never Really Here una nueva forma de ver una película de acción. Las secuencias violentas son cada una distintas entre sí, Ramsay probando nuevo métodos de montaje y puesta en escena en cada una de ellas, algunas con planos abiertos y fijos, otros con cámara en mano, otros desde el punto de vista fragmentado de cámaras CCTV. La banda sonora de Johnny Greenwood, predestinada a ser ignorada por la temporada de premios, es otro éxito para el ex-Radiohead, y quizás su trabajo más extraño y variado hasta el día de hoy. En el núcleo del filme, está el personaje de Joaquin Phoenix, a quien Ramsay otorga un denso trasfondo psicológico y a quien Phoenix le da una vivencia tan particular que lo hace un anti-héroe único en el género. Lleno de giros y escenas dignas de “shock”, Ramsay trae una refrescante bocanada de aire nuevo a un género dominado por cineastas masculinos, y demuestra que ella es tan capaz como cualquier otro director de descender al infierno humano y hacer de las miserias un espectáculo excitante y tenebroso.
21_ First Man (Dir: Damien Chazelle)
Un claro desvío artístico para el joven Chazelle, típicamente conocido (y parodiado) por sus filmes orientados al Jazz, First Man es una biopic hecha y derecha, elevada por un muy particular sentido de autor y una incomparable maestría técnica. Chazelle toma un guión relativamente estándar de Josh Singer (Spotlight, The Post) y abstrae de él una historia ultra-personal sobre Neil Armstrong y, en profundidad, sobre el arquetipo de la masculinidad americana y la dificultad de expresarse. Un interesante ejercicio en contrastes, Chazelle alterna entre tensas y terroríficas secuencias de acción (Filmadas de forma visceral por Linus Sandgren, cuyas imágenes en Ultra 16 son tan bellas y poéticas como sensacionalistas) y escenas extremadamente sobrias y antiespectaculares de drama familiar. Gosling, en un papel estoíco que no ganará a ninguno de sus detractores, brilla en la interpretación del hombre frío que absorbe y reprime toda tragedia a su alrededor. El colaborador frecuente de Chazelle, Justin Hurwitz, regresa como compositor de una banda sonora muy kitsch, pero acorde a los paisajes emocionales que el filme propone. Sí tienen chance de agarrarla en la pantalla grande no lo duden: la secuencia lunar filmada en IMAX merece la definición más alta posible.
Barry Jenkins describió a If Beale Street Could Talk como una pieza acompañante a su anterior trabajo, la ganadora del Oscar a Mejor Película Moonlight: La última siendo la historia del director y la familia que tuvo, la otra siendo la familia que hubiera querido tener. Adaptada de una novela de James Baldwin, If Beale Street Could Talk es una película que toca temas políticos y sociales muy fuertes y a veces frustrantes, pero que están tratados con mucho tacto y sensibilidad, y cubiertos por una historia muy dulce con personajes honestos y queribles. Sí el final de Moonlight era un abrazo ante toda la crueldad y el desamparo, If Beale Street Could Talk es ese abrazo estirado hasta unas dos horas, incluso en momentos en que los personajes descienden hacia la tragedia. La impecable banda sonora de Nicholas Britell y la muy cuidada cinematografía y dirección de arte la hacen digna de ver en el cine (Lamentablemente, por el momento, las distribuidoras argentinas no parecen considerar esta opción, esperemos que recapaciten).
19_ BlacKkKlansman (Dir: Spike Lee)
Durante la mayor parte de su recorrido, BlacKkKlansman parece ser una película relativamente fácil y suave de Lee, conocido por su cine confrontacional y agresivo. Tiene un irresistible sentido del humor, marcado fuertemente por un particular gag inicial con la presencia de Alec Baldwin; está basada en una historia real alocada pero interesante y creíble, con personajes bien definidos y fáciles de querer; y trata temáticas sociales fuertes con una actitud conciliadora, amena, sin dejar de lado el humor y el tono liviano. Puede resultar un filme angustiante por momentos, pero la química “buddy-cop” que Lee construye entre John David Washington y Adam Driver mantiene las secuencias de acción llevaderas a pesar del drama real que tocan, eso es, hasta que los últimos 10 minutos del filme llegan y Lee le tira a la audiencia una bomba: Justo antes de los créditos, Lee trae el filme a tiempos actuales en un montaje aterrador con material de archivo, dejando al espectador helado y pensante, y convirtiendo su película en un fantástico “statement” político.
18_ Shirkers (Dir: Sandi Tan)
/cdn.vox-cdn.com/uploads/chorus_image/image/61928231/7899B49A_3E98_4CA9_BD0B_17B9F9024F8A.0.jpeg)
Shirkers es un documental que todo estudiante de cine (o artista, en general) va a encontrar fascinante, atrapante, terrorífico y, a la larga, emocionante. Un espectacular documental sobre un clásico de culto nunca lanzado, una historia que pudo haber sido deprimente y frustrante, pero que la propia autora decide contar de forma jovial y alegre, tal como la película perdida en cuestión. Shirkers es una pieza muy bella en muchos niveles: Por un lado, es una historia sobre superación, sobre hacer de las tragedias de la vida algo con significado, sobre no dejar que los obstáculos nos retraigan aunque parezcan no tener salida. Por otro lado, y quizás el aspecto del filme que más me gustó, es que muestra de forma inspiradora la infinita capacidad del cine de crear y de ser original. Ver el material perdido de Shirkers duele, sobre todo en la era de El Otro Lado del Viento, porque uno no puede evitar pensar lo influencial e icónica que esa película pudo haber sido. Sin embargo, al finalizar el documental, Tan entrega el legado de Shirkers al espectador, y lo impulsa a crear. Es un encantador mensaje para tiempos en los que el cine parece estar en un paralelo punto de crisis y de reinvención.
Está disponible para ver en Netflix.
17_ Madeline's Madeline (Dir: Josephine Decker)
Subvierte expectativas desde el principio, y desde entonces, no deja de escalar en extrañeza hasta un tercer acto desquiciado que, ante todo, es insólitamente catártico, Madeline’s Madeline es la gran obra experimental del 2018 (Sin contar la “otra” obra experimental que fue hecha hace ya bastante tiempo). Decker homenajea al mismo tiempo que satiriza la escena teatral independiente de Nueva York, y en el proceso toca varios temas, entre ellos, salud mental, maternidad, identidad, raza y el “coming-of-age” específicamente femenino. Sin embargo, todas estas temáticas, aparentemente versionadas anteriormente por una infinidad de películas, reciben un tratamiento único en Madeline’s Madeline, donde el punto de vista de la protagonista es desconcertante e incómodo, la banda sonora es bizarra y terroríficamente corpórea, y las acciones se desarrollan simultáneamente de forma absurda y personal. Es un filme de autor que se rebela contra la idea gramática del “filme de autor”, o contra cualquier gramática sin más. Una de las propuestas más originales del 2018.
16_ Burning (Dir: Lee Chang-Dong)
El aclamado cineasta coreano demuestra toda su maestría en Burning, un policial que constantemente descoloca al espectador y lo obliga a repensar lo que ha visto. Chan-Dong, inteligentemente (y con cierta provocación también) se toma su tiempo para desarrollar la primera mitad del filme, y en el proceso inventa un nuevo ritmo, casi haciendo entrar a la historia y a los personajes en un trance (Con culmine en una risueña escena de atardecer musicalizada por Miles Davis que conforma uno de los puntos más memorables del filme). Luego, la segunda mitad del trabajo introduce un misterio tras otro, formando una densa red de preguntas e indicios cerrados (una vez más, de forma provocadora) por un memorable y abrupto climax que deja al espectador helado, y transmite un nuevo significado a todo lo que se vio anteriormente. Si uno se queda con la superficie, Burning no es más que un buen thriller oscuro, pero sí uno se atreve a indagar más allá, la cantidad de capas y significados que Chang-Dong logró conjugar en esta pieza es fascinante.
15_ A Quiet Place (Dir: John Krasinski)
“El Cine Sonoro introdujo el Silencio” dijo alguna vez Robert Bresson (aunque es una idea que varios cineastas sonoros han exprimido hasta la última gota), y en la época del blockbuster pomposo y estruendoso, nadie menos que Jim Halpert de “The Office” reivindica la frase del director francés con una propuesta de género intolerablemente tensa y brillantemente simple basada en el silencio. La premisa es muy irresistible como para no querer aventurarse en ella: En un mundo post-apocalíptico, unos aliens ciegos con oídos ultra-sensibles acechan a los pocos humanos que quedan vivos. La tarea de los humanos para adaptarse a esta situación no es fácil. Sí hacen ruido, mueren. Krasinski dirige con una sorprendente maestría, logrando secuencias capaz de tensar los músculos hasta el más descreído. Las excelentes actuaciones del elenco, liderada por una Emily Blunt que deja todo en pantalla, hacen a este proyecto indudablemente pochoclero digno de una apreciación a un nivel superior, y traen sorpresivos momentos emocionales y conmovedores en el tercer acto.
14_ Cold War (Dir: Paweł Pawlikowski)
Todo en la nueva película de Pawlikowski (Ganador del Oscar en el 2014 por Ida) es pequeño y limitado: Es un filme que propone contar una historia de amor enorme que abarca varios siglos, pero lo hace a través de viñetas efímeras que recorren saltos de tiempo sustanciales. Es una estructura narrativa particular que puede resultar alienante en un principio, que carga un impacto emocional que golpea con fuerza hacia el final. De nuevo, Pawilowski colabora con el DF Lukasz Zal, y los resultados son, otra vez, la película con las imágenes más hermosas del año. En cuestión de presentación, simplemente no hay película más bella y cuidada que Cold War en el 2018, por más que otras películas se acerquen. Sin embargo, además de las imágenes, es la potente y agobiante historia de amor que las acompañan lo que le otorgan al filme ese valor memorable más allá del esteticismo. En mi opinión, es muy superior a su predecesora, y si bien su particular ejecución puede hacerla un filme algo provocador para audiencias masivas, aquellos dispuestos a apreciar historias simples contadas de formas únicas encontrarán en Cold War una experiencia casi mágica.
13_ El Ángel (Dir: Luis Ortega)
El Ángel no solo se impuso como el estreno argentino del año (En un año en que tuvimos películas de Darín, Lali y Trapero, continúa siendo por mucho la más vista del conjunto) sino como la película más cool del cine nacional en general, por fuera del 2018. Ortega, inspirado en filmes como Badlands y Natural Born Killers, se propone desde el minuto uno hacer una película de culto, una biopic con una mirada joven, fresca y alegre, y para eso, toma de forma muy políticamente incorrecta, la historia de uno de los asesinos más infames de la historia argentina y le da un tratamiento humorístico, sexy y pomposo. Ortega construye junto a Lorenzo Ferro, en su primer papel como actor, un ícono en esta versión de “Carlitos Puch”, y un competente elenco de actores de reparto (Mercedes Morán, Luis Fanego, Cecilia Roth y el Chino Darín, entre otros) con personajes igual de coloridos hacen a El Ángel uno de los pocos ejemplos de filme de culto exitosos que se produjeron en el país. La banda sonora de rock argentino setentoso ya es una de las revoluciones en el entretenimiento argentino del año, y eso es más allá del contenido de la película en general. Un filme con una energía incomparable y una moralidad dubiosa, que trasciende la estructura del biopic para explorar una filosofía de vida.
12_ Private Life (Dir: Tamara Jenkins)
A simple vista, Private Life parece otra película mumblecore de Netflix (La plataforma está, después de todo, llena de cineastas del movimiento como los hermanos Duplass, Lynn Shelton, Joe Swanberg, entre otros), pero la superficie no es lo que parece: Private Life es una acerba y emocionante tragicomedia sobre una pareja desesperada por tener hijos. Liderada por dos actorazos que son un placer de ver (Kathryn Hahn, especialmente, finalmente con un rol en el que es capaz de demostrar toda su capacidad actoral) y un guión rápido, fogoso y brutalmente honesto, Private Life es una bella película humana que trasciende el “mumblecore” gracias a una directora que balancea el realismo crudo con un esteticismo puro y agradable. Sí ha de compararse con un cineasta, anda por el lado de las tragicomedias “quirky” de Noah Baumbach, pero Jenkins tiene una sensibilidad que hace sentir a los personajes más humanos, y sus experiencias por ende más devastadoras. Además, contiene fácil la mejor secuencia de créditos del año. De esas pelis tan reales y que se sienten tan vividas que uno no quiere que termine.
11_ Roma (Dir: Alfonso Cuarón)
El aclamado maximalista mexicano regresa al cine de su país con una producción enorme y colosal, respaldada por nadie más y nadie menos que Netflix en su distribución, que encuentra al director en sus momentos más íntimos y sensibles. Sí, a pesar de las majestuosas imágenes en blanco y negro (Diseñadas por él, que reemplazó a su frecuente colaborador, el “chivo” Lubezski, cómo DF) y los imponentes y complicados planos secuencias llenos de detalles y movimientos de cámara, Roma es una película muy simple y casi humilde en los aspectos que van más allá de su presentación. Es una alegoría a la historia de México, sí, pero brillantemente sublimada en la historia de una trabajadora doméstica, Cleo (La magnífica Yalitza Aparicio) y su relación con sus patrones y los niños a quien ayuda a criar. Hay muchísimo de Tarkovsky y Renoir en la forma en que Cuarón hace de los paisajes cotidianos de esta familia piezas poéticas, con momentos cuasi-proféticos que dan magia natural a las imágenes. Es una lástima que la mayor parte de su público no será capaz de verla en una pantalla grande con un sonido colosal, como se debe, pero al mismo tiempo, Netflix está tomando un riesgo importante poniendo tanto dinero detrás de una película latina tan desafiante y lírica como esta, y el hecho de que probablemente llegue a más audiencias alrededor del mundo por el simple hecho de estar en la plataforma, ya es algo para celebrar.
Está disponible para ver en Netflix.
10_ In Fabric (Dir: Peter Strickland)
Sí David Lynch hiciera una maratón de la filmografía de John Carpenter bajo la influencia del LSD, el resultado de esa corriente de inspiración sería una película similar a “In Fabric”, otra de las propuestas más originales del 2018 (O 2019, ya que esta película no verá la luz del público general hasta el año que viene). Strickland, conocido por sus películas subversivas y del humor británico más negro posible, una vez más hace lo que hace muy bien: Un filme absurdo, perturbador y muy pero muy agresivo y bravucón, pero indudablemente querible y disfrutable. Junto a Ari Wegner, Strickland compone imágenes que homenajean fuertemente al cine de terror de fines de los 70’, al mismo tiempo que se divierten atacando la pantalla con psicodelia intensa y desorientante (Producto también de la frenética edición Matyas Fekete, entre la nostalgia y la experimentación). La banda sonora de CAVERN OF ANTI-MATTER es tan cool como alusiva a las bandas sonoras de Carpenter, pero con un inquietante filo moderno que la hace a veces brutal e incómoda (Todo el diseño de sonido en el filme la hace digna de ver en el cine). Las actuaciones son excelentes, sobre todo porque se nota que el elenco está teniendo el mejor tiempo de sus vidas adaptándose al absurdo guión, que sí, es ridículo, pero al mismo tiempo, es muy inteligente y ofrece sagaz observaciones (y homenajes) a la cultura de consumo inglesa y a la industria de la moda. Un filme extremadamente divertido y memorable, que encuentra esa dulce posición entre el cine contemporáneo y el “throwback”.
9_ Shoplifters (Dir: Hirokazu Kore-eda)
Llamado por muchos “el neorrealista japonés”, Kore-eda consolidó su larga y fructífera carrera en el cine con una Palma de Oro por su nueva película, Shoplifters (Titulada acá Somos Familia). No muy lejos del tipo de filme que premia Cannes, y sin embargo indudablemente fiel al estilo del director, estamos hablando de un trabajo que comienza con cantidad de amor y tibieza casi abrumadora, capaz de conmover hasta las lágrimas al espectador más duro, sólo para que el segundo acto, y sus giros inesperados, lleven la historia a terrenos amargos, devastadores y algo inquietantes. A pesar de que la experiencia puede resultar emocionalmente drenante, Kore-eda filma a estos personajes con una gran dosis de simpatía, y los hace extremadamente queribles. Es un maestro en filmar el contacto humano, y hacer sentir el amor que se tienen los unos a los otros, a pesar de no estar explícitamente demostrándolo, lo que hace al tercer acto aún más conmocionante. Una película para llorar y llorar, primero de felicidad y después de angustia, pero que finalmente se marca en el espectador como una experiencia dulce y amigable.
Se estrena en salas comerciales argentinas el 24 de Enero del 2019.
8_ Annihilation (Dir: Alex Garland)
Otra película “de Netflix” de un autor que parece estar en el momento cúlmine de su carrera. Tras un debut directorial muy exitoso, Garland regresa al terreno de la ciencia ficción (Su clara especialidad) con una adaptación muy libre del primer libro de la trilogía de Jeff Vandermeer, y no tambalea ni siquiera un poco. Mucho más abstracto y complejo que sus anteriores trabajos, Annihilation es un filme que ruega ser visto más de una vez para ser apreciado por completo. A través de aliens y monstruos, explora una infinidad de temas complejos como el cáncer, el dolor, la muerte, el “cambio” que viene del dolor y la muerte, el crecimiento personal, la infidelidad en el matrimonio, entre otras muchísimas temáticas que no dejan de aparecer a medida que uno revisita la historia multiples veces. Como experiencia fresca, es confusa, pero atrapante, gracias a la maestría de Garland en desarrollar terroríficas secuencias de ciencia ficción y horror, especialmente destacada una secuencia en un faro que se niega a dejar mi cabeza desde el momento que lo ví. En el frente, tenemos a nadie menos que a Natalie Portman con una actuación formidable en el rol titular. Los fanáticos de la ciencia ficción dura a la Blade Runner sacarán mucho jugo a la experiencia que ofrece Garland, que construye en la película un mundo muy único, entre lo grotesco y lo sublime, con un lirismo palpable y un trasfondo detallado. Annihilation te invita a explorar y perderte, para que luego veas sus huellas y descifres la historia por tu cuenta. Recomendado si sos de esos que aman indagar en las profundidades del cine y desarmar películas para analizarlas en cada una de sus partes.
Está disponible para ver en Netflix.
7_ Lazzaro Felice (Dir: Alice Rohrwacher)
Llena de guiños a Pasolini y a Bertolucci, el segundo largometraje de Rohrwacher es un arriesgado ejercicio en contraste de tonos que funciona de forma espectacular: Una mezcla entre neorrealismo crudo tipo Ken Loach y surrealismo sublime tipo Paolo Sorrentino, con un constante péndulo entre la dulce comedia situacional y el devastador drama social, Lazzaro Felice es una montaña rusa de emociones. Visualmente, Rohrwacher y Hélène Louvary hacen alarde de los despojados paisajes rurales de italia con una irresistible cinematografía en super-16mm, que le sienta muy bien al personaje principal, tan querible y bondadoso que es básicamente la versión humana del oso Paddington. Sin embargo, contrario a Paddington, la bondad en Lazzaro Felice viene acompañada con una fuerte crítica social a la Italia contemporánea, y en ello, con una angustiante dosis de crueldad humana que hace el tercer acto del filme una mezcla entre encantadoramente mágico y terriblemente trágico. Es interesante que esté cerca de Shoplifters en esta lista porque ambos dejan al espectador en una situación similar: Absolutamente drenados emocionalmente por la experiencia, pero agradecidos por la misma, y por la ventana hacia un mundo de amor y bondad que ofreció, aunque sea por un tiempo.
Está disponible para ver en Netflix.
6_ Isle of Dogs (Dir: Wes Anderson)
La película más cinemática en la carrera de Anderson, que cada vez apostó a proyectos más y más pensados para la pantalla grande, y con Isle of Dogs se consolidó a un nivel tipo Dunkerque: Un filme cuya experiencia vive y muere en el cine. No obstante, viéndola en pantalla chica, se puede seguir disfrutando a montones. En primer lugar, la atención al detalle de Anderson en cada plano, la fantástica composición de imágenes, es siempre un placer de ver. En Isle of Dogs es incluso más impresionante porque nunca se ha visto un filme stop-motion con tanto cuidado visual en temas de iluminación y cinematografía (Especial felicitaciones a Tristan Oliver y al magnífico diseño de producción de Adam Stockhausen, Curt Enderle y Paul Harrod). Para terminar, tenemos un elenco de estrellas que se adapta perfectamente al ritmo y al universo de Anderson, cuyo guión acompaña el humor ácido con una buena porción de melancolía y nostalgia. Uno tan solo pudiera imaginar la cantidad de horas de arduo trabajo que tomó hacer un filme tan meticuloso y detallado, pero es justamente por eso por qué Anderson (y compañía) es tan querido por la industria cinematográfica y los círculos independientes: En vez de reforzar una voz autoral (Que la tiene a montones), piensa en la experiencia del espectador y hace un filme digno del disfrute de todos. Para sentirse bien, un estilo de buffet navideño cinematográfico.
5_ The Favourite (Dir: Yorgos Lanthimos)
Yorgos construyó una prestigiosa carrera con una marca autoral especializada en el humor negrísimo, el cine extremo y el deadpan, y en The Favourite (Quizás su mejor película, aunque siempre entro en conflicto cuando intento ubicarla en su filmografía) repiensa completamente dicha marca y hace algo muy fuera de su zona de confort: Sí bien el humor negro y subversivo está, el filme es expresivo, sensible y, quizás el aspecto que más choca con sus filmes anteriores, de época. No se preocupen, Lanthimos sigue trayendo una originalidad visual única a este proyecto, con laboriosos travellings y una infinidad de planos rarefactos con lentes muy angulares o diseños extraños. Y sí brilló con actores en el deadpan, Lanthimos excede expectativas cuando se viene a la actuación teatral de personajes: Las tres mujeres principales del filme, Olivia Colman, Rachel Weisz y Emma Stone, se comen la pantalla. Tres actuaciones excelentes, difíciles (Sobre todo en el caso de Colman, en un papel que va camino a ser icónico del 2018) y detalladas, uno viaja por la película enamorándose y peleándose con estos personajes, entendiendo finalmente sus mutuas relaciones y sus maquinarias internas individuales. Y más allá de todo eso, The Favourite es simplemente la mejor comedia del año por lejos, incluso cuando cruza hacia territorios dramáticos más turbulentos.
Se estrena en salas comerciales argentinas el 7 de Febrero del 2019.
4_ First Reformed (Dir: Paul Schrader)
Schrader es un tipo que estuvo con los grandes de Hollywood, que es respetado por ellos, pero su estatus como guionista y como director más “avant-garde” terminó por enterrarlo en una especie de limbo: Reconocemos su importante aporte a la industria, pero se reduce al guión de Taxi Driver. Sin embargo, Schrader es, también, un gran, GRAN director, y en First Reformed, a pesar de tener 72 años de edad, demuestra tener no solo un entendimiento clarísimo de las problemáticas del mundo actual, pero también las expectativas de las audiencias del cine de hoy, algo que muchos de sus titánicos compañeros perdieron en el camino. First Reformed es un filme lento, pero que recompensa, y de forma gloriosa. Empieza como un profundo planteo filosófico, transita hacia un territorio más social tratando la dicotomía capitalismo-religión en relación con el medio ambiente, y luego, en el tercer acto, desciende a una locura extravagante pero contenida. El camino es provocador, incómodo, y maravilloso, en parte gracias a la sublime presentación del filme y la magnífica cinematografía de Alexander Dynan. El efecto que tiene First Reformed en el espectador es en principio muy leve, pero se impregna en la mente del mismo apenas termina, y se niega a ir mucho tiempo después.
Un filme que desde el minuto uno se siente como un clásico, con esa bellísima sobriedad y acidez del cine europeo moderno, Transit es un filme que revive la magia del romanticismo cinematográfico trayéndola a tiempos actuales en virtud del comentario social y cultural. En principio, es una revindicación de un tiempo anterior, pero es también una advertencia: La historia, adaptada de una novela sobre la segunda guerra mundial, transcurre en una Europa actual aterrada por un nuevo gobierno fascista. En tiempos en los que la extrema derecha y la xenofobia están en auge, el filme de Pretzold resuena e inquieta, pero su maravillosa sensibilidad y nostalgia hacen al filme atrapante y conmovedor. El cineasta alemán mezcla de forma armónica el thriller de acción y el melodrama, en un proyecto que nunca aburre y resulta super accesible, incluso para aquellos que miran con cinismo al cine europeo.
2_ The Other Side of the Wind (Dir: Orson Welles)
Más de 40 años tardó en hacerse, y más de 30 años estuvo desaparecida y resguardada de su audiencia. Llega muchísimo tiempo después, en una especie de milagro, de la mano de un director que no está en su mejor momento (Bogdanovich) y en Netflix de todos los lugares, y aún así, con todas las señales rojas y alertas, The Other Side of the Wind es tan perfecta y moderna como podríamos haber esperado de un director como Welles. Y para los escépticos, esto ES una película de Welles, y cualquiera familiarizado con su filmografía puede notarlo (Contrario a lo que dicen muchos críticos, no recomiendo ver el documental They’ll Love Me When I’m Dead ni antes ni después del filme). Desquiciadamente experimental, y casi incomprensible, pero con una honestidad palpitable, y manejando unos niveles de meta-lenguaje casi proféticos, como sí la película estuviera consciente de su propio destino, The Other Side of the Wind, incluso en el 2018, se siente como muy lejana a su tiempo, perfilada hacia el futuro. Una excelente actuación de John Huston encabeza el filme, pero es la manía visual de Welles, su peculiar forma de editar (Que si bien esta película pasó, en el caos de su post-producción, por un montón de manos, mantiene la naturaleza juguetona y errática de películas como F de Falso) y de filmar acciones ordinarias de formas frescas, subversivas y decididamente “cool” (La escena del baño con Oja Kodar ya es un clásico perdido por sí sola), lo que termina sin quitarle ni un segundo de edad a este proyecto. No es para cualquiera (Este año, las dos películas que más me impactaron son experiencias cinematográficas más que narraciones convencionales, y son más bien extremas), pero un “must” para cualquier cinéfilo de raigambre, y una deliciosa porción de historia no contada del cine, que nunca estuvo a tan fácil alcance.
Está disponible para ver en Netflix.
1_ Climax (Dir: Gaspar Noé)
No me gustó ningún filme de Gaspar Noé. Siempre aprecié su inmensa proeza visual, su originalidad para filmar lo que sea, incluso lo que pensamos infilmable. Sin embargo, Noé siempre entraba en conflicto cuando estiraba sus simples ideas a filmes que pasaban las dos horas de duración, o se acercaban a ellas. Para mantener la atención del público, siempre necesitaba recaer en la provocación barata, algo que aburría más de lo que realmente escandalizaba. Pero Climax dura poco más de 90 minutos, a pesar de tener dos secuencias de créditos y luego terminar definitivamente en su último segundo, sin créditos finales, y tiene muchísima menos guita encima que sus anteriores producciones, notable por las pocas locaciones del filme y la notable simpleza de la narración comparado a sus otros trabajos. En el proceso, Noé se restringe y, al mismo tiempo, se desata por completo, y hace su mejor película y su obra maestra: Una hora y media, 45 minutos de baile y fiesta, 45 minutos de infierno y caos. No hay falsos movimiento, hay muchísimos planos secuencias (Filmados de una forma capaz de dejar boquiabierta a cualquiera) y un énfasis mayor en transmitir sensaciones en vez de reacciones. Climax tiene de las mejores secuencias de baile que se han filmado en el cine, sin más, y sin duda las mejores en el cine moderno. La agobiante banda sonora, compuesta por una variedad de artistas y djs, algunos de los cuales protagonizan el propio filme, es una maestría de sensaciones y experiencias por sí sola, y las imágenes que la acompañan solamente la refuerzan. Verla en la pantalla grande es una de las experiencias más simultáneamente gratificantes y desagradables que un espectador puede tener. Esperemos que tenga un estreno en salas comerciales en Argentina más adelante, por ahora muy poca gente en el mundo fuera del círculo festivalero ha podido verla. Yo no aguanto en experimentarla de nuevo.
No hay comentarios:
Publicar un comentario